Théatre

introduction minute au triomphe de l’amour

Voici l’introduction de Nicole Ott au Triomphe de l’amour de Marivaux ,

mis en scène par Denis Podalydes

Quelques éléments biographiques

MARIVAUX naît à Paris le 6 février 1688, soit à l ‘aube du XVIII siècle qui crée une rupture importante avec le classicisme. Fils d’une famille de petite noblesse, c’est néanmoins en province qu’il passera sa jeunesse, IL monte à Paris pour faire des études de droit pour suivre la voie paternelle, mais sa rencontre avec FONTENELLE l ‘engage dans une carrière littéraire. IL fréquente les salons de madame de LAMBERT ou de madame de TENCIN. A l écoute de ces conversations savantes dans un milieu raffiné, le jeune homme forge sa sensibilité et développe son sens de l ‘observation critique.

Amoureux du théâtre et de la vérité, spectateur lucide d’un monde changeant, PIERRE CARLET de CHAMBLAIN DE MARIVAUX s’est voulu inventeur d’idées et de langage nouveaux, c’est ce qu’il appelait « penser en homme « . Il est reconnu comme un brillant moraliste, une sorte de nouveau LA BRUYERE.

Son mariage avec Colombe Bologne le met un temps à l ‘abri du besoin mais très vite la banqueroute du financier LAW le ruine et il doit alors travailler pour vivre. De plus, il perd sa femme en 1723 et a une petite fille qu’il devra élever seul.

Portrait de Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux (1688 – 1763) dit Marivaux,

Son oeuvre

Il écrira un roman, la vie de Marianne, dans lequel il analyse la psychologie de l’héroïne. La narratrice revoie son passé et s’interroge sur l’amour, la sincérité et la reconnaissance sociale du mérite personnel.

Il écrira au moins quarante pièces de théâtre

Dans ses comédies philosophiques – l ’île des esclaves ou encore la colonie – il fait du théâtre un nouveau moyen d’imaginer de nouvelles relations humaines. Marivaux développe dans une contrée imaginaire son analyse sociale et psychologique des relations entre individus qui est une constante de son œuvre.

Les   comédies amoureusesle jeu de l’amour et du hasard ou encore les fausses confidences – lui permettent d’explorer les surprises, les secrets et les masques du cœur humain pris au piège des intérêts et des préjugés.

A partir de 1742, il est élu à l’Académie française sous l’influence de madame de TENCIN dont il fréquente le salon.

La vie n’a pas toujours été facile pour Marivaux : sa fille dut entrer au couvent car son père ne pouvait la doter honorablement.

Finalement, il va mourir à PARIS LE 12 février 1763.

 

QU’EST QUE LE SIECLE DES LUMIERES ?

Le XVIII siècle, marqué par l’importance des sciences exactes et par la critique de l’ordre social et de la hiérarchie religieuse traditionnelle, a été nommé le siècle des lumières. Les écrivains de l’époque sont convaincus d’émerger de siècles d’obscurité et d’entrer dans un nouvel âge illuminé par la raison, la science et le respect de l’humanité. L’éducation est alors considérée comme ayant le pouvoir de rendre les hommes plus vertueux, plus moraux. L’optimisme et l’enthousiasme sont donc des traits dominants chez les penseurs des Lumières.

A cette époque naît une querelle littéraire des Anciens et des Modernes. Charles PERRAULT lit à l’Académie un poème- le siècle de LOUIS XIV- dans lequel il met en doute la supériorité des poètes antiques sur les poètes modernes. FONTENELLE aussi récuse l’idéal classique en affirmant : rien n’arrête tant le progrès des choses que l’admiration excessive des anciens « . Accusés de sacrilège par les partisans de la tradition que sont BOILEAU, LA FONTAINE, LA BRUYERE, les Modernes ouvrent la voie à une esthétique qui mêle le naturel et la préciosité.

Marivaux a la passion du théâtre

Marivaux reprend à son compte les valets dont le personnage d’Arlequin ou les petits bourgeois. Les représentants de la noblesse sont toujours doublés par des valets, plus ou moins lucides, plus ou moins manipulateurs.

Il établit toujours un double jeu :

– celui tout extérieur des querelles, des déguisements et des manipulations.

-celui aussi du jeu plus secret, parfois inconscient de l amour qui naît et craint de se faire découvrir.

Ce double jeu, nul ne pouvait mieux le traduire que ces italiens issus de la commedia dell’ arrêt, tantôt scandant la pièce avec une folle vivacité, tantôt mimant jusqu’aux extrêmes nuances, riant des yeux et pleurant des lèvres.

Ce langage de l’âme ne passe seulement par les mots, mais aussi par le corps : leur naïveté n’est pas seulement dans leur discours, mais aussi dans leurs gestes, dans leurs mimiques, dans leurs regards ….

Le triomphe de l’amour

Le triomphe de l’amour est une pièce en 3 actes représentée pour la première fois par les comédiens italiens le 12 mars 1732.

QUEL EST L ‘ARGUMENT ?

La princesse de SPARTE se déguise en homme sous le nom de PHOCION. Elle voudrait partager le trône avec AGIS, le fils des anciens rois capturé à l’âge de 8 ans et qui vit avec un austère philosophe, HERMOCRATE, et sa chaste sœur, LEONTINE. A l’attrait du devoir se joint celui de l’aventure et de la conquête. Travestie en garçon, Léonide se présente à la maison de la sagesse, séduit la vieille fille sous son déguisement, puis le vieux maître en avouant sa qualité de femme qu’elle n’a voulu cacher, dit-elle, que pour mieux approcher l’admirable philosophe.

Pour Agis, tout va de soi. Il la voit à peine que déjà il s’éprend d’amitié pour ce joli garçon et s’émerveille que l’amitié puisse offrir tant de douceur.  « Je suis fille, AGIS », avoue la princesse : c’est la douceur de l ‘amour.  Aussitôt plus folle reprend la mascarade. Fille ou garçon, Léonide n’a montré que des attraits trop sûrs. Pour l’épouser, la vieille sœur renie ses vœux de chasteté et le vieux maître balaie 40 ans de prudence. Viennent-ils enfin à se découvrir bernés, ils se tournent vers la perfide. Mais que faire contre une reine et contre l’amour ?

Une citation du livre de Marcel ARLAND : » je l aime pour son caprice, son bondissement sans cesse renouvelé et même pour son extravagance « résume bien les caractéristiques de la pièce.

La scène se passe dans un jardin où il est aisé de se cacher : il est divisé par des massifs ou des bosquets : on peut se cacher dans ces compartiments, attendre que d’autres soient partis, y espionner, y avoir des rencontres clandestines ; on peut aussi y être surpris.

Quelle est la morale de l’ histoire ?

La première leçon est comique

  • Le jardinier et le valet sont évidemment corrompus. On y voit la roublardise, le bagout de l’un ou l’autre.
  • Agis aussi peut nous faire rire car il est naïf. Il n’empêche nous savons que le bonheur va lui être apporté.
  • Le philosophe et sa sœur sont comiques aussi, mais Marivaux souligne ici son empathie avec eux. Ils réalisent qu’ils ont été bernés. Marivaux respecte toujours ce qu’il y a d’humain dans leur comportement et rire ne l’empêche pas de porter une attention compréhensive à ceux dont il se moque. Marivaux affirme  » il n’y a point d’homme qui soit digne de se moquer des erreurs d’un autre « 

La deuxième leçon est morale

-L’amour doit toujours être mis à l’épreuve, même si cet amour est un coup de foudre, lui tendre des pièges qui, s’ils ne le découragent ou ne détruisent pas, font triompher la vérité.

  • La conquête du cœur d’AGIS est difficile : Agis est pur et droit. Tromper quelqu’un qu’on aime quand le cœur humain est si facilement aveugle, ce n ‘est pas pour Marivaux profiter de sa faiblesse, c’est l’aider à savoir ce qu’il veut et à le vouloir vraiment.
  • Quant aux deux protagonistes, le philosophe et sa sœur, ils ont été trompés eux aussi. Ils ont été cruellement humiliés, cela doit suffire. A la fin de la pièce, les malheureux font face à leur découverte de l’amour, leur inquiétude, leur trouble. L’épreuve est donc finalement positive pour eux car ils ont compris leur faiblesse.

 La troisième leçon est politique

  • Sans elle, la comédie se résumerait à une banale histoire d’amour entre un prince et une princesse.
  • . MARIVAUX pense que pour régner il faut que les puissants soient bons. Dans cette pièce, Agis doit régner par le cœur et non par la violence. Le souverain doit être porteur de bonnes attitudes et faire preuve de loyauté.
  • LEONIDE, la princesse de SPARTE, fait preuve ici d’une profonde et exigeante loyauté : quand elle remet le trône à AGIS, elle agit en véritable souveraine, faisant montre d’une grande générosité, omettant de châtier Harpocrate et Léontine.

En conclusion

MARIVAUX n ‘a eu de cesse de poser le problème entre le cœur et la raison, entre la condition sociale et l’identité authentique des êtres. Non seulement il est un moderne par rapport aux anciens, mais il est en plus en   avance sur son temps : on pourrait le considérer comme un préromantique, car il analyse les émotions.  C’est pourquoi on peut parler de l’humanisme de Marivaux.

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Introduction minute des Bacchantes

 selon Euripide, mis en scène par  Sara Llorca

par Nicole Ott,

des Amis de La Filature

 

La tragédie en Grèce

Athènes a inventé la tragédie, création singulière qui après avoir fasciné les Romains, a fécondé l’imagination européenne de Shakespeare aux classiques français, de Goethe jusqu’aux dramaturges contemporains.

L ‘origine religieuse de la tragédie est incontestable. Aristote affirme, en effet, qu’elle dérive du culte de Dionysos : lors de cérémonies rituelles, des choeurs chantaient des hymnes en l’honneur du dieu.

La tragédie a acquis une existence officielle en 534 avant Jésus Christ. L’âge d’or de la tragédie coïncide avec l’âge d’or de la démocratie athénienne. La    tragédie ne se contente plus d’exalter la grandeur des héros mais elle met en question les situations auxquelles les hommes sont confrontés, instaurant ainsi une conscience tragique de la condition humaine.

Le théâtre alors était un plaisir populaire et collectif. Les représentations avaient lieu en plein air dans des théâtres immenses. La tragédie du V siècle avant Jésus Christ était un lieu de rassemblement pour maintenir et développer les fondements moraux. Le rôle de dramaturge n’est pas de divertir mais de d’éduquer ses concitoyens, il se devait, dès lors, d’être porteur d’une vision.

Aucun souci de réalisme ne présidait à la représentation, cérémonie solennelle et impressionnante. On parle alors de catharsis , une façon de susciter chez le spectateur la terreur ou la pitié en opérant ainsi une épuration des passions.

Il y a trois auteurs antiques : Eschyle, Sophocle et Euripide.

EURIPIDE a vécu de 485 à 406 avant Jésus Christ. La tradition lui attribue 92 tragédies, il ne nous en reste que 18. Il était connu pour sa sympathie sans égale pour les victimes de la société, femmes incluses. On a l’habitude de regrouper les pièces en 4 groupes : les légendes sur la guerre de Troie , les légendes des Atrides , les légendes Attiques,et les légendes Thébaines auxquelles appartient la pièce Les Bacchantes. Elle fut écrite en 405 avant Jésus Christ au moment de la guerre contre le Péloponnèse, la fin de l’ère grecque est proche, Euripide écrit de l’exil.

Le dieu Dionysos

Il est le fils de Zeus et d’une mortelle Sémélé. Sur les conseils de Hera, la femme de Zeus, la mère Sémélé a demandé à son invisible amant de se montrer à elle dans toute sa gloire et Zeus apparaissant sous la forme de l’éclair a consumé la malheureuse. Mais Zeus a miraculeusement sauvé Dionysos en le cousant dans sa cuisse, d’où l’expression  » être né de la cuisse de Jupiter. »

Né à Thèbes, il retourne dans sa ville natale pour y imposer son culte orgiaque.

Dans la mythologie grecque, Dionysos est le dieu de la vigne, du vin et des excès, de la folie et de la démesure. Il est une figure majeure de la religion grecque. Ses festivités sont liées au cycle annuel et notamment au retour du printemps. Son culte est également marqué par des fêtes orgiaques féminines célébrées par ses accompagnatrices, les ménades ou les bacchantes.

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Quelle est l’histoire des Bacchantes ?

Elevé loin de Thèbes, Dionysos retourne dans sa ville natale pour y imposer son culte orgiaque.  Il est le fils, de ZEUS et d’une mortelle Sémélé, la fille de Cadmos, le fondateur de Thèbes. Sémélé, sa mère a été foudroyée par Zeus. Les soeurs de celles-ci, Autonoé, Ino et Agavé ainsi que Penthée refusent de croire en cette union et d’honorer Dionysos comme un dieu. Revenu sous les traits d’un mortel, Dionysos cherche à se venger de Penthée et de tous ceux qui nient sa divinité. Dionysos convainc Penthée de se déguiser en femme. Guidé par l ‘étranger qui n’est autre que Dionysos, devenu un faux complice, Penthée surprend les bacchantes dans la montagne se rendant ainsi coupable d’un des sacrilèges les plus graves : la violation des mystères. Penthée est terriblement châtié, déchiré vivant par sa mère, Agavé. Penthée reconnaît enfin au moment d’expirer la puissance divine de Dionysos, fils de Zeus. Pour se venger, Dionysos avait rendu Agavé, sa mère, possédée et elle découvre quand elle retrouve la raison qu’elle a tué son propre fils Penthée. Devant l’étendue de son malheur, l’irrésistible pouvoir du dieu, condamnés à s’exiler, Cadmos et ses filles dont Agavé, la mère de Penthée, ayant tout perdu patrie, famille et postérité.

On peut tirer 2 en enseignements de cette pièce :

Les bacchantes ou le drame de l’impiété

Tout d’abord, le dénouement des Bacchantes nous apparaît conforme aux croyances de l’époque.  Révérons les dieux, tel est le message : c ‘est la première leçon « grande, évidente, toujours tournée vers notre bien  » vers 1006-1007 des Bacchantes.

D’autre part, dans le cours du V siècle avant Jésus Christ, l’homme apprend à compter avant tout sur ses propres capacités. De nombreux traités fleurissent notamment ceux d’Hippocrate et la rhétorique pilier de la culture antique, cette forme de science qui évite de viser trop haut pour satisfaire les besoins humains ceux de son corps comme ceux de son esprit. La réussite dépend seulement de la compétence du technicien .

Plusieurs citations du texte sont très explicites :

  • « science n’est pas sagesse « ,
  • « Quand on a un esprit modeste, quand on ne cherche pas de mauvaises défaites sur les dieux et qu’on reste dans la mesure humaine, on a une vie sans tourments « 
  • C’est l’ époque où Protagoras écrit en préliminaire de son traité « en ce qui concerne les dieux, je ne puis savoir ni qui ils sont,  ni qui ils ne sont pas, car beaucoup de choses nous empêchent de le savoir surtout l’ obscurité de la question et la brièveté de la vie humaine . « 

C’est donc, bien des années avant Voltaire, la philosophie de tous les  sophistes :  » cultivons notre jardin  » c’est à dire essayons de faire ce que nous pouvons à la mesure de nos capacités .

La faute de Penthée c’est de ne pas être assez humble, de ne pas être capable d’accepter de vivre en paix avec soi-même, avec autrui, avec les dieux, de se satisfaire de son lot en se tenant à sa place.

  • Ce dieu de la fécondité, Dionysos, apporte à l’humanité un bonheur plus élevé que celui de l’opulence matérielle, une félicité spirituelle que le bacchant découvre dans une communion avec la grande nature animée par Dionysos. Aussi les bacchantes lydiennes ne peuvent comprendre pourquoi Penthée persécute ce dieu bienfaisant.
  • Le Dionysisme met le bonheur suprême dans la contemplation de la nature : ne pas chercher à connaître le monde pour le posséder mais au contraire pour se laisser posséder par lui, s’abandonner, sans passer par la connaissance, s’abandonner aux forces qu’il recèle, afin de communiquer avec son dieu.
  • Ainsi le destin du roi Penthée doit convaincre le spectateur qu’il se perd en voulant tout dominer et qu’il doit faire leur juste part à ces forces obscures de l’être qui inquiètent parce que l’homme n’en a pas le contrôle mais qui seules peuvent le porter dans ces régions supérieures auxquelles ne permet pas d’accéder la raison.

Les Bacchantes ou le parti pris des femmes

La  femme athénienne est une éternelle mineure d’âge  qui ne possède ni droit juridique, ni droit politique ..  Ventre avant tout c’est à dire estomac et sexe, la femme est asservie aux fonctions naturelles. On sait que le mot « polites » qui veut dire « citoyen  » n ‘a pas de féminin.

Des 3 tragiques grecs, Euripide aurait trahi en prenant fait et cause pour les femmes, en féminisant la tragédie antique. Euripide manque aux sentiments nationaux en apprenant à parler aux femmes. Euripide est le seul des tragiques grecs qui ait donné lieu à des commentaires sur la représentation des femmes. C’est qu’il est le seul à avoir traité les femmes comme telles, à avoir fait surgir une question des femmes.

Dans le texte qui nous interroge aujourd’hui, la version de la débauche des femmes vécue par Penthée  sera infirmée, contredite  par le récit très détaillé du messager, témoin oculaire de la conduite irréprochable des Thébaines surprises dans la montagne.

  • « elles dormaient toutes, les membres détendus ; certaines avaient porté leur tête, au hasard, décentes et non pas comme tu le dis enivrées par le vin. »
  • Elles, chassant de leurs yeux un sommeil profond, se dressent debout, spectacle d’une merveilleuse décence, jeunes, vieilles, vierges libres encore du joug. »
  • Le texte nous interroge ici : le personnage de Penthée reçoit la mort non pas des femmes mais de sa haine des femmes, de son hubris misogyne (c’est à dire de son excès, de son arrogance ) qui lui fait perdre le sens de la mesure et de la réalité.
  • Dionysos impose à Penthée de se déguiser en femme : la femme lubrique n’est autre que Penthée : il est châtié ou faut -il dire châtré ?
  • Telle est la catastrophe euripidienne qui, une fois encore, retourne le chasseur en gibier et révèle le coupable sous le justicier. Justice soit donc rendue aux femmes.

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Enfin, il s’agit aussi d’un conflit politique

Dionysos est un dieu féminin qui défend la cause des femmes c’est à dire qui s’oppose aux conflits générés par les hommes, qui de guerre en guerre perdent la jeunesse.

  • Il s’agit de porter le présent , c’est aussi le supporter , consoler contre sa finitude, adoucir les peines de la vie. Il faut remarquer que la leçon ne s’applique pas à Penthée seulement cité 2 fois mais à la ville dans son ensemble. Il s’agit d’un conflit politique, d’un enseignement adressé à la cité entière, plus de guerres, plus de batailles inutiles qui ravagent la jeunesse.
  • Pour les bacchantes, il ne s’agit plus de s’imposer par une victoire éclatante mais d’aspirer à la beauté quotidienne, seule apte en une quête patiente à se garantir des aléas du temps. L’éternité que visent les bacchantes n’est pas l’immortalité qui consacre après la mort la gloire des héros mais l’intensité d’une vie qui se règle au fil des jours et des nuits sur son rythme naturel. Il s’agit selon la belle formule de « passer jusqu’à son terme sa vie dans le bonheur de chaque instant ».

« qui est la première parmi les bienheureux

aux fêtes joyeuses et à leurs belles couronnes,

qui a pour charge de conduire les choeurs

et les rires au son de la flûte « .

 

En conclusion , on voit que la pièce des bacchantes peut résonner aujourd’ hui alors qu’on parle de la condition des femmes, de l’autre, de l’étranger et des guerres qui ravagent le monde.

 

 

 

 

 

Spectacle « La crise est finie » avec la Compagnie Grime et Concocte

Ils arrivent à vélo, un hauban couvert de fanions à l’avant du cycle. Florent Fichot et son compère Laurent Secco font leur « livraison de chansons », comme autrefois  le facteur faisait sa tournée. En un instant, nous voici transportés dans l’univers de « Jour de fête« , mais les Frères Jacques ont ici remplacé Jacques Tati.  Un  homme en bleu et un homme en rouge reprennent à cappella et  à  deux  voix, avec leurs vélos-xylophones, des chansons d’hier et d’aujourd’hui…

Comme à son habitude, Florent Fichot  a choisi une démarche engagée dans son spectacle La crise est finie, spectacle offert par « Les Amis de La Filature » le 17 novembre.  Florent est  fidèle  à la philosophie de la compagnie Grime et Concocte qui  s’est donné pour mission d’élaborer des spectacles « tout terrain », autonomes techniquement, adaptés à tous les espaces. Et de fait, La crise est finie utilise peu de moyens : deux vélos, deux xylophones et des fanions qui se dérouleront suspendus comme les lampions d’un 14 Juillet sous l’éclairage de deux projecteurs.

Les spectacles de la compagnie Grime et Concocte  ont, en général,  vocation de toucher  un public peu familier avec le théâtre. Créée en 2016, La crise est finie   a déjà été accueillie à de nombreuses reprises par divers publics dans des lieux variés : centres culturels, mais aussi collèges, marchés, fêtes….

« C’était un spectacle long à élaborer, dit Florent, car il fallait une sélection rigoureuse des chansons qui  illustrent un siècle de chansons engagées. Mais il ne s’agissait pas de délivrer un discours militant et de faire du prosélitisme » continue-t-il.  Dans ce spectacle en effet, il n’est pas question de livrer un discours politique, debout, le poing levé, mais de proposer un parcours traduisant  avec humour, ironie  ou sérieux, irritations , contestations, révoltes et luttes d’hier et d’aujourd’hui. Une fois les chansons sélectionnées, il fallait encore les mettre en musique. Florent n’est pas musicien, il a dû faire appel à des professionnels pour en composer la musique chantée par les deux partenaires parfois accompagnés du xylophone.

 

Nous avons effectué un grand voyage dans le temps. Ainsi  est-on passé du chant des Canuts d’ Aristide Bruant ou de   « Je n’suis pas bien portant« , qui a fait la joie de nos grands ou arrière grands -parents aux chansons de rappeurs (Lettre à la république de Kerry James ), via  La chanson de Craonne. Le répertoire balaie un large spectre de thèmes, allant des plus légers (Gainsbourg, Souchon) aux plus graves  (la révolte des canuts ou des poilus dans les tranchées en 1917,  le colonialisme et l’immigration) en passant par la critique de la société libérale (Qu’est ce qu’ils sont cons),

Les chansons sont accompagnées d’un jeu de scène chorégraphié au millimètre. Florent et Laurent jouent de leur similitude, se reflétant parfois comme dans un miroir,  ou se renvoyant la balle. Deux hommes paillettes, deux clowns, deux marionnettes chantent des textes aiguisés, des airs connus avec un jeu de scène d’une précision diabolique.   Florent avoue une grande admiration pour le music hall et la perfection des deux partenaires dans leur jeu scénique  en est le témoignage.

Spectacle visuel et  musical, textes humoristiques, décapants, légers ou graves, voici une alchimie réussie

 

 

Retrouvez la Compagnie Grime et Concocte sur leur site en cliquant ICI.

SOS Chansons! La Compagnie propose des livraisons de chansons à domicile alors, n’hésitez pas!

 

 

 

 

 

 

La Filature au collège avec Florent Fichot

Chaque année, La Filature scène nationale engage des actions culturelles en direction de divers publics et, en particulier, les jeunes  des collèges. A cet effet, elle a invité Florent Fichot, comédien, à intervenir dans des collèges de la région mulhousienne.

Nous avons eu l’occasion de présenter son travail dans un article précédent. Les Amis de La Filature ont aussi eu aussi le plaisir  d’apprécier son spectacle intitulé « Assis!, Debout!, Couché!…. Sautez » en mars 2016.

Florent Fichot anime son atelier autour des thèmes de l’engagement et de l’expression orale.  Les collégiens participent à cet atelier en identifiant un thème d’engagement qui les motive particulièrement et en recherchant avec un enseignant un texte  qui peut l’illustrer. Il faut encore pouvoir le communiquer efficacement.  C’est ici qu’intervient le spectacle  « Assis!, Debout!, Couché! » présenté aux collégiens dès la première séance par Florent.

Une fois le texte sélectionné, les collégiens travaillent en groupes pour mettre en scène leur message et le présenter collectivement. Il s’agit d’apprendre à le scander de façon claire, convaincante et intelligible.  La prise de parole en public n’est pas innée!

Entretien avec Florent Fichot

Florent, quels sont les thèmes que les collégiens ont le plus souvent retenus ?

Dans le cadre de ce projet intitulé : « Oralité et Engagement. Pourquoi prendre la parole en public ? » que nous avons mené depuis 2015 dans 8 collèges de la région, certains thèmes ont été systématiquement abordés par les élèves :

  • dénonciation du racisme et de toutes formes de discriminations,
  • dénonciation des maltraitances (violences faites aux femmes, aux enfants et… aux animaux),
  • dénonciation du harcèlement scolaire,
  • dénonciation des guerres, du terrorisme et du fanatisme,
  • dénonciation des inégalités (riches/pauvres) en France et dans le monde.
  • lutte contre la pollution,

Certains groupes d’élèves  choisissent des thèmes beaucoup plus larges et philosophiques comme ‘’La Liberté’’ ou ‘’L’Indifférence’’, inspirés par le spectacle « Assis ! Debout ! Couché ! » qui les aborde.

Y-a-t il des thèmes nouveaux qui sont apparus cette année?  Sont-ils inspirés par l’actualité?

Cette année nous avons eu un groupe qui dénonce la qualité de la cuisine à la cantine scolaire, avec un texte et une mise en scène assez humoristiques.

Plusieurs groupes ont également lancé des débats autour de la problématique de l’addiction aux jeux vidéo, aux smartphones et aux écrans en général. C’était la première fois et cela a donné lieu à des discussions et des présentations très riches : entre fascination pour ces médias, humour et conscience qu’il y a là une thématique très actuelle et sensible pour nous tous.

Un élève également a profité d’un constat sur les différentes origines dans sa classe pour proposer une thématique sur les relations entre les Kurdes et Turcs. Je suis très heureux quand les élèves apportent ce genre de sujets, je trouve qu’ils relèvent vraiment le défi que je leur lance : défendre en public un engagement qui leur est cher et personnel.

Les ateliers se font en collaboration avec un enseignant. Quelle participation attends- tu de l’enseignant?

J’attends beaucoup de choses de l’enseignant : à la fois qu’il m’aide à cadrer le groupe, mais aussi qu’il profite de l’activité pour participer (aux échauffements par exemple) et créer un rapport peut-être plus horizontal avec les élèves.

Mis à part mes temps de présence, le rôle de l’enseignant est primordial dans la réussite de ce parcours « Oralité et Engagement ». Les séances étant espacées d’un mois, c’est lui qui maintient le fil rouge, qui mobilise les élèves, qui aide les groupes à se constituer et à se documenter, qui s’assure qu’ils restent en recherche de thèmes, de textes, d’idées de mise en scène. Le projet ne pourrait pas aboutir si l’enseignant ne dégageait pas de temps supplémentaire avec les élèves en dehors de nos séances pour prolonger le travail.

Je suis également toujours accompagné par une personne chargée des relations avec les publics de La Filature et c’est très agréable. A la fois pour gérer les petits groupes qui travaillent en autonomie dans la même séance (nous sommes alors 3 adultes à tourner entre les groupes pour les aider), pour le côté organisationnel et relationnel avec les établissements et les professeurs, mais aussi pour débriefer à chaque fin de séance. C’est très important pour moi, ça me permet de me sentir moins seul dans la démarche, de corriger le tir si nécessaire et de rester en questionnement sur mon travail. Les responsables des relations publiques de La Filature sont formidables pour ça, je les aime beaucoup.

Comment arrives- tu à surmonter les blocages qui empêchent souvent les jeunes de s’exprimer en public?

C’est tout l’objet de l’atelier. J’avoue qu’avec si peu de temps je suis un peu obligé de passer en force. Ça ne veut pas dire que je les oblige, mais j’essaie de ne pas trop sacraliser l’objectif d’une représentation en public, j’en parle très peu lors de nos séance, je préfère rester concret, parler technique et mettre tout le monde dans le même bateau : on le fait et on ne se pose pas trop de question.

Quand un élève exprime un refus de monter sur scène, j’essaie de lui donner un autre rôle, plus proche de celui du metteur en scène qui aide ses camarades. Souvent en voyant les autres faire, il se rend compte qu’il en est capable également et réintègre le groupe des acteurs naturellement.

On passe également par beaucoup d’exercices assez basiques : un échauffement corporel, un exercice de projection de la voix et la consigne de relever les yeux de la feuille pour s’adresser à quelqu’un lors de la lecture. C’est ce que je veux dire quand je dis que je reste concret, ils ont des consignes claires et simple : parler fort, lever les yeux vers le public… et rester debout ! Ça permet souvent de surmonter les blocages.

Au terme de 4 séances de 2 heures chacune, un spectacle est présenté à la famille et aux camarades.  C’est une  lecture collective des textes qui ont été sélectionnés par chacun des groupes.

Les photos ci-dessous illustrent la présentation au collège d’Hirsingue.

Florent Fichot et une élève du collège de Hirsingue lors de la restitution des ateliers en présence du public

Peux- tu dresser un bilan de tes interventions au sein de La Filature? Quels sont les projets pour les mois à venir?

Depuis Novembre 2015, je suis  intervenu dans 8 collèges pour 16 classes : Le Collège Sainte Marie de Ribeauvillé, le Collège François Villon de Mulhouse, le Collège Schweitzer de Colmar, le Collège Nathan Katz de Burnhaupt le Haut, le Collège Charles Peggy de Wittelsheim, le Collège Marcel Pagnol de Wittenheim, le Collège Victor Schoelcher d’Ensisheim, le collège JP de Dadelsen de Hirsingue.

En Novembre 2017, je vais retrouver une dernière fois La Filature autour du projet « Oralité et Engagement / Pourquoi prendre le parole en public ? » que nous mènerons à la Maison d’arrêt de Mulhouse. Nous avons déjà travaillé  à 6 reprises avec des structures pénitentiaires ou judiciaires : La Maison d’Arrêt de Mulhouse (deux fois), La Maison d’Arrêt de Colmar (deux fois),  La Maison Centrale d’Ensisheim,  L’UEAJ et Le Centre Educatif  Fermé de Mulhouse.

Ces actions ont été mises sur pied par Anne-Sophie Buchholzer et  Clémentine Chéronnet avec l’aide de Héloïse Erhard, Anca Eiblib et Manon Burstert que je remercie chaleureusement.

J’ai joué 14 fois le spectacle « Assis ! Debout ! Couché ! » écrit par Grégoire Courtois et mené des dizaines de séance de débat, de lecture, de mise en scène… C’est une aventure formidable qui m’a permis de donner corps pendant deux ans au manifeste de la Compagnie GRIME et Concocte :

« Nous cherchons, à travers chacune de nos propositions, à tisser un lien empreint de générosité avec le public. Que ce soit sur scène ou à l’occasion de représentations de Théâtre Tout Terrain, nous défendons une certaine énergie populaire couplée à l’exigence d’une forme et d’un propos. Nous voulons parler du monde qui nous entoure, nous voulons grandir au contact des autres, nous voulons œuvrer concrètement et collectivement pour que le théâtre soit un moyen d’action. »

Ce grand projet à Mulhouse m’a également permis de rencontrer Les Amis de La Filature qui ont invité le spectacle « Assis ! Debout ! Couché ! Sautez !» en Mars 2016 et que nous retrouverons le Vendredi 17 Novembre 2017 à 19h à La Filature pour un autre spectacle: LA CRISE EST FINIE ! Un siècle de chansons engagées, a capella, à deux voix et à vélo ! C’est également une belle rencontre !

 

(A noter que LA CRISE EST FINIE ! sera joué Le jeudi 16 Novembre au Centre Social et Culturel Papin de Mulhouse.)

 

 

 

 

 

Introduction Minute de La Mouette de Tchekhov

 Nicole Ott a présenté La Mouette de Tchekhov à La Filature le vendredi 13 mai. Voici le texte de son introduction.Afficher l'image d'origine

LA BIOGRAPHIE

ANTON TCHEKHOV  est né  à Taganrog au sud de la Russie le 29 janvier 1860, dans une famille pauvre. Il est le petit-fils d’un serf libéré. Le  père est un homme violent et d’une religiosité excessive. Les enfants Tchékhov  -ils sont 6- vivent dans la pauvreté et les restrictions. Ils sont contraints d’aider au magasin  -le père est épicier- et d’aller chaque jour à des cours de chant à l’église.

D’autre part, Taganrog est une ville portuaire au passé assez enviable, mais le port s’ensable et par conséquent les navires qui contribuaient autrefois  à la richesse de la ville disparaissent peu à peu.

La situation financière des Tchekhov est très difficile. Malgré cela, les enfants vont au collège, puis au lycée. Alors qu’au collège, Anton  n’est qu’un élève assez médiocre, au lycée,  il va se  montrer différent, il porte un intérêt croissant au théâtre et à la littérature.

En 1876, les difficultés financières de la famille s’aggravent et les parents doivent déclarer le magasin en faillite, ce qui peut avoir comme conséquences d’être incarcéré. Aussi la famille part-elle pour Moscou où sont déjà les deux aînés et Anton restera  à Taganrog où il sera livré à lui même. Il a 16 ans. ll y termine ses études. Puis, son diplôme en poche, il obtient une bourse et part à Moscou faire des études de médecine. La situation de la famille reste  toujours  très difficile.

L’écriture, qu’il aime, peut lui procurer des revenus et c’est ainsi qu’il va écrire de nombreuses nouvelles qui paraîtront dans les journaux locaux sous un nom d’emprunt, le plus connu étant Antocha Tchékhonté. Jusqu’à sa nomination comme médecin, en 1884, il va publier au moins 200 nouvelles.

Il dit : « La médecine est ma femme légitime, la littérature ma maîtresse. Quand l’une m’ennuie,  je vais passer la nuit avec l’autre ».

Peu à peu, on le remarque et un romancier célèbre –Dimitri Grigorovitch- lui conseille d’abandonner les pseudonymes et d’écrire sous son nom, ce qu’il va faire. Le 31 mars 1886, il a donc 26 ans, il répond à la lettre de Grigorovitch : »Votre lettre … m’ a frappé comme la foudre. J’ai failli pleurer,  j’ai été ému et je sens maintenant qu’elle a laissé une trace profonde en mon âme. Jusqu’ici,  j’ai toujours traité mon travail littéraire avec une extrême légèreté, avec négligence« .

A partir de 1894, il va se consacrer à la dramaturgie. Il va proposer une tétralogie constituée par : La Mouette en 1895, Oncle Vania en 1899, Les 3  Soeurs en 1901, La cerisaie en 1904.

A la fin de sa vie, alors qu’il a 41 ans, il épouse une actrice, Olga Knipper, qui joue notamment le rôle d’Arkadina dans La Mouette.

Ses lettres décrivent un homme, né juste, délicat et bon, s’efforçant de devenir meilleur, plus secourable et plus patient. Il soigne souvent les patients gratuitement, ceux ci n’ayant pas les moyens de le rétribuer. Il va fonder des dispensaires et des écoles. A la mort de son frère qui s’était intéressé à la vie pénitentiaire, il part interroger les prisonniers dans l’ île de Sakhaline, ce qui permettra une commission d’enquête menée par le Ministère de la Justice. Il pense que des temps meilleurs viendront, car les conditions de vie de la population russe du 19e siècle sont très difficiles .

Tuberculeux, il s’éteint à Badenweiler en Allemagne à 44 ans en 1904.

 

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TCHEKHOV ET LE THEATRE

Tchekhov  affirme sa méfiance à l’égard de l’excès au théâtre. Il affirme que le théâtre contemporain est « un monde d ‘incohérences … de bêtises et de vent« .  Il a profondément haï  la façon de faire du théâtre en Russie à cette époque. Le théâtre n’a, dit il,  besoin ni d’anges ni de démons. Tchékhov veut être un témoin impartial  qui regarde l’homme dans toute sa diversité, sans être ni juge ni arbitre.

LA MOUETTE

ON POURRAIT DIRE QUE CETTE PIECE PARLE D’AMOUR ET D’ART

Les personnages y sont nombreux et appartiennent à deux générations différentes :

  • Les plus âgés : Arkadina, une actrice célèbre – Paulina – Sorine, le frère d’Arkadina – Trigorine
  • Les plus jeunes : Medvedenko, un instituteur – Macha, une jeune fille – Nina, une autre jeune fille – Treplev, le fils d’Arkadina, l’actrice célèbre

Tous les personnages de la pièce font entendre le chant de leurs espoirs et de leurs désillusions à travers plusieurs thèmes :

L ‘AMOUR D’ABORD :

Medvenko aime Macha qui aime Treplev qui aime Nina qui aime Trigorine qui est aimé par Arkadina … on pourrait penser à Racine.

Tous les personnages, jeunes ou vieux, se prennent les pieds dans les filets de l’amour. A  travers ce thème de l’amour, Tchékhov donne aussi  à voir la difficulté d’être une femme au 19e siècle. On observe en effet trois rôles féminins : Nina, la mouette, Paulina et Macha, des femmes mal mariées et Arkadina, la femme libérée. Nina est une jeune fille malheureuse soumise à des contraintes rigides par ses parents et déshéritée. Cependant, cette innocence  est entachée par un attrait excessif pour la gloire et le succès. Paulina et Macha sont des femmes mal mariées : Paulina est la maîtresse de Dorn qui pourtant la dédaigne. Dès l’ouverture, Macha dit : « Je porte le deuil de ma vie« . Elle boit pour oublier son existence malheureuse. Amoureuse éconduite de Treplev, elle va épouser l’instituteur dont elle n’est pourtant pas amoureuse. Au contraire, Arkadina, l’actrice, la mère de Treplev, est libérée. Elle se soucie peu des conventions morales ou sociales. Elle a un amant, elle est passionnée, frivole : « Oui, j’ai de l argent , mais voilà,  je suis actrice ; rien qu’en toilettes, c’est la ruine« .

 L’ART  ensuite :
  • L’art est le terreau essentiel où se nourrissent les passions, les espoirs déçus, les conflits entre les personnages. L’art est au coeur des préoccupations des personnages : les artistes, bien sûr, le jeune Treplev veut réinventer le théâtre tandis que Arkadina, la mère de Treplev et Trigorine, son amant, sont attachés « à la routine et aux préjugés des formes anciennes« . Mais aussi les autres personnages : tous s’interrogent sur le pouvoir de l’art à sublimer le réel.
  • On observe une sorte de conflit entre les  deux générations à propos de l’art :
    • Trigorine est attaché à la réalité, qu’il s’efforce de retranscrire avec exactitude dans ses oeuvres. Il dit puiser ses « sujets« dans la vie courante pour bâtir des « petits contes« . S’il ne s’inspire pas de la réalité, ses personnages restent « artificiels« , se sentant obligé de parler du peuple, de ses souffrances, de son avenir, de parler de la science et des droits de l’homme,
    • tandis que Tréplev, lui,  « pense par images« . Son art, loin d’être une reproduction fidèle de la réalité trop prosaïque, est évocatoire et suggestif.
  • Ces deux personnages peuvent représenter deux visages distincts du poète à la fin du 19e siècle :
    • Celle du poète engagé, Trigorine (en France, l’on pourrait par exemple penser à Hugo, mais dans La Mouette, Trigorine est complètement disqualifié)
    • Celle, opposée, du poète désenchanté, Treplev (qui pourrait faire penser à Verlaine ou à Baudelaire), aspirant à échapper au réel à travers un art dont il revendique la gratuité
  • Tchékhov suggère que le réalisme à la façon de Trigorine est sclérosant. Pour autant, il  n’entend pas tomber dans l’écueil de certaines tendances  réductrices du théâtre symboliste.
 L’art est très important dans cette pièce, le procédé du THEATRE DANS LE THEATRE y est omniprésent :
  • Ce dispositif s’impose de façon évidente avec la pièce de Treplev jouée à 3 reprises : à l’acte I devant tous les personnages, à l’acte II à la demande de Macha et à l’acte IV.
  • C’est que tous les personnages restent dans une quête improbable du regard de l’autre et cherchent pathétiquement à toujours être en représentation. En témoigne par exemple Arkadina, qui joue le rôle de la femme éternellement jeune devant Macha, pourtant plus jeune qu’elle…

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 EN QUOI LA MOUETTE A-T-ELLE TANT BOUSCULE L’HORIZON D’ATTENTE DES SPECTATEURS DE L’EPOQUE ?

  • La Mouette a été jouée pour la 1ère fois à Saint Petersbourg  en 1896 et ce fut tout d’abord un échec.
  • Elle sera reprise au théâtre d’art de Moscou en 1898 et là, la pièce connaîtra le succès.
 Tout d’abord , on ne trouve pas chez Tchékhov de héros traditionnel :
  • Les rêves brisés, les désillusions et les échecs rendent caduque la notion de héros traditionnel.
  • Le personnage lui-même n’importe plus en tant que tel, il s’agit plutôt de l’interaction entre les personnages. Au héros unique, Tchékhov préfère un choeur de personnages. Dans La Mouette, tous les personnages ont une importance égale tant sur le plan de l’intrigue que sur le plan de la présence scénique. Les personnages secondaires sont aussi riches de potentialités que ceux qu’on pourrait penser a priori principaux. La maison de Sorine rassemble une dizaine de personnages qui vont se  côtoyer, bavarder, tisser des relations familiales, sociales, amoureuses, ce n’est pas  tant la singularité de chacun que leur complémentarité qui va faire sens.
 La banalité signifiante :
  • Que les personnages puissent passer leur temps à manger, boire, priser du tabac, jouer au loto, chanter n’a pas manqué de choquer les spectateurs de l’époque.
  • A cette critique, Tchékhov rétorque : « Il faut écrire une pièce où les gens vont, viennent, dînent , parlent de la pluie et du beau temps … parce que c’est comme ça que ça se passe dans la vie réelle« . A la fin de la pièce d’ailleurs, plutôt que de montrer un suicide spectaculaire, celui de Tréplev, Tchékhov préfère donner en spectacle des personnages qui prennent le thé.
  • Aux critiques, Tchékhov a répondu : « Il n’y a pas besoin de sujet. La vie ne connaît pas de sujets, dans la vie tout est mélangé, le profond et l’insignifiant, le sublime et le ridicule« .
Dans le théâtre de Tchékhov également  les signes non verbaux prolifèrent :
  • Ce n’est pas tant ce que disent les personnages que la façon dont ils le disent ou ne le disent pas. Ce n’est pas tant leurs paroles que leurs silences, leurs regards, ou leurs gestes qui sont signifiants.
Chez Tchékhov, on retrouve aussi  en germe les données de l’incommunicabilité moderne :
  • Les dialogues peuvent sembler insignifiants. C’est que, pour Tchékhov, la moindre communion fugitive prend une importance décisive.  Il ne généralise pas comme Ionesco l’incommunicabilité. Sa  méfiance ne va pas jusqu’à refuser au dialogue toute chance de partage.
Autre caractéristique de la modernité de Tchékhov, le goût du contraste :
  • A l‘ image de la complexité de la vie, La Mouette oscille entre comédie et drame. La didascalie initiale présente la  pièce comme une comédie en 4 actes et elle se termine pourtant dans le sang  avec la mort de Tréplev. La Mouette joue aussi  sur les tons et  sur les registres : les répliques les plus légères côtoient les répliques les plus graves.  Trigorine prononce de grandes tirades lyriques exprimant son enthousiasme artistique quand Arkadina évoque prosaïquement « le courant d’air » qui traverse la pièce.

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QUE NOUS DIT TCHEKHOV EN REALITE ?

 Intéressons-nous de plus près au titre « La Mouette »et à son symbolisme

  • Conformément à la polysémie du mot mouette  en russe, le mot mouette contient un verbe qui signifie « espérer vaguement« .
  • Nina  est d’abord comparée à une mouette pour son innocence et sa liberté. »Elle aime le lac comme une mouette heureuse et libre« . Mais la jeune fille rêve de devenir une actrice célèbre. La mouette tuée en plein vol est peut-être à l’image de sa vie errante et de son statut de victime. Elle n’est pas une bonne actrice, elle perd son enfant.
  • La mouette est aussi à l’image de l’amour perdu entre Treplev et Nina. Treplev a tué une mouette et la jette aux pieds de Nina qui affirme : « Excusez-moi, c’est sûrement un symbole, mais je ne le comprends pas« , refusant ainsi de reconnaître les faits.
  • Mais la mouette c’est aussi le danger que représente l’écriture de Trigorine. Il a demandé à faire empailler la mouette. On pourrait penser qu’il « empaille » aussi  la vie et la vide de toute substance en toute bonne conscience.
  • Comme si la mouette, finalement, représentait l’illusion, la déception, la désillusion, le fait d’être tourné vers le futur et d’attendre l’ irréel.
  • La mouette tuée, puis empaillée, évoque l’état d’esprit des différents personnages : Macha ne sera jamais aimée de Treplev, Sorine ne sera jamais un homme de lettres, Treplev ne sera pas un écrivain à l’audace révolutionnaire. Nina ne sera pas une bonne actrice et ne sera pas aimée par Trigorine.

 Face à l’apparente banalité du théâtre de Tchékhov, on peut déceler des thématiques existentielles :

  • Stanislavski, le premier metteur en scène de Tchékhov, a écrit : « Tchékhov a l ‘air de représenter le quotidien, mais en réalité, par delà les contingences et le particulier, c’est l’Humain avec une majuscule qu’il met en oeuvre« .
  • Vitez, qui a mis en scène La Mouette en 1985, affirme : « Les tragédies ont lieu dans la cuisine. Les grandes figures mythologiques ne sont pas éloignées de nous, mais en nous. Nous portons au cœur de nos actions les plus banales toute la tragédie du monde« .

 

Il suffit d’un rien pour que les insatisfactions tues se réveillent, pour que les manques se révèlent et les frustrations explosent.

 Tchékhov nous invite à réévaluer ce bonheur menteur. Face à ce bonheur menteur, deux réactions sont proposées :

  • Celle de Treplev : le suicide. Dans cette pièce, Treplev, le fils mal-aimé, essaie de dire à sa mère sa souffrance à travers la pièce qu’il a créée. Mais sa mère n’a pas lu ses textes, Trigorine n’a pas découpé les pages de sa nouvelle et Nina, dont il est amoureux, le rejette. Il voudrait être reconnu par sa mère, trouver son amour, être reconnu par son entourage, en tant qu’artiste. Il souhaitait « tendre un piège à la conscience« , comme Hamlet dans Shakespeare, pour prouver son talent, sa supériorité artistique sur celle de Trigorine, l’amant de sa mère, en vain. Alors il se suicide.
  •  On trouve aussi  d’autres réactions face au bonheur menteur, accepter la souffrance d’une vie qui n’a pas répondu à nos espoirs. Il faut vivre !
    • Ainsi, Nina qui a raté sa vie de comédienne, va accepter d’aller jouer devant un parterre de marchands qui ne vont pas l’applaudir, mais plutôt l’assaillir de leurs appétits libidineux.
    • Macha décide de se marier avec l’instituteur qu’elle n’aime pas. Réaliste, elle dit : « L‘amour sans espoir, c’est bon pour les romans« . Pourtant, à l’acte IV, elle aime encore Treplev : « On a promis de muter mon mari dans un autre district. Une fois là-bas,  j’oublierai tout …« 
    • Paulina, la maîtresse de Dorn, n’est pas aimée.
    • Sorine, le frère de Arkadina, est cloîtré à la campagne, alors qu’il rêve de vie intellectuelle et artistique et de devenir écrivain.

CONCLUSION

  • En conclusion, chaque personnage insatisfait de son quotidien cherche chez un personnage inaccessible une réponse à sa vie, à son besoin de rêve, d’évasion et d’idéalisme. On pourrait penser à la pièce de Hamlet : « Etre ou ne pas être« , qui se reconstitue en survivre ou mourir.
  • Concernant l’art, Treplev nous donne à la fin de la pièce la réponse aux problématiques artistiques : « Oui, je suis de plus en plus convaincu que l’important,  ce ne sont pas les formes anciennes ou nouvelles, mais ce que l’ homme écrit sans s’occuper des formes, ce qu’il écrit parce que ça vient librement de son coeur« .

 

LA MISE EN SCENE DE THOMAS OSTERMEIER

Le charismatique metteur en scène de la Schaubühne de Berlin met en scène ce soir La Mouette. Il a fait retraduire le texte par Olivier Cadiot qu’il connaît bien, qui est aussi poète autant qu’auteur et en qui il a une grande confiance. Certains pensent qu’il  a su étonnamment faire résonner nos interrogations politiques d’aujourd’hui. Il y convoque le patrimoine et le moderne, l’hier et le maintenant. D’autres sont plus critiques et jugent qu’il s’agit d’une posture académique. A chacun d’en juger.

Thomas Ostermeier affirme : « Pour moi, le théâtre est un laboratoire sociologique où j’examine des hommes et des femmes capables de tout. Car nous sommes capables de tout. Du meilleur comme du pire. »

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Thomas Ostermeier